PAS à PAS pour Pédagogues de toutes danses Samedi 11 décembre 14h à 18h

Rythme - Coordination - Connexion 

Écoute musicale « tous styles ».

Musicalité du mouvement corporel - Musicalité du guidage.

STAGE LE 11 décembre 2021 de 14h à 18h à Couzon au mont d'or 69270. Plus d'info par courriel. 

INFORMATIONS ou INSCRIPTIONS

 

Formation puissante, claire, simple, sans solfège. Cours en ligne possible. 

A découvrir pour mieux en parler à vos élèves.

Accessible à tous !

La méthode « vivante » qui met tout le monde d’accord : danseurs et musiciens. Programme pédagogique puissant et adapté aux danseurs et professeurs de danse.

Pour qui : Professeurs de danse tous styles, danses de couple incluses, diplômés ou pas. Danseurs amateurs ou semi-pro de tous styles.

Pré-requis : La marche, l’ouverture d’esprit. Vouloir découvrir de nouveaux outils pédagogiques. Ne pas craindre la remise en question sur le sujet ou sur sa pédagogie.

Ancienne danseuse professionnelle, professeure de danse modern’jazz diplômée d’Etat (DE) et chorégraphe. A enseigné pendant 20 ans le Modern’jazz dans diverses écoles et associations. Enseigne actuellement sur commandes privées : le Lindy Hop (danses swing). Ses formateurs(trices) de danse Modern’jazz : Jemmy, Thierry Walker et Claudette Walker, Corinne Germain, François Huchard, Rick Odums, Matt Mattox...

Avide d’expérimentation et de découvertes artistiques liées au corps, elle se passionne pour le chant jazz, swing et bossa nova. La pédagogie du rythme va s’imposée rapidement face aux difficultés du ressenti corporel en général et découragements de certains élèves.

Formation aux chants jazz vocal, chants brésiliens et rythme en autodidacte pendant des années puis, rencontre avec des maitres dans l’art : Roger Letson, Michèle Hendricks, Sylviane Fessieux, Pierrick Hardy, Laurence Satiel, David Linx, Monica passos, Lucas Ciavatta, Eduardo Lopes. Lauréate du concours d’Astaffort avec Francis Cabrel en 1998. Formée à l’harmonie par Gilbert Dojat, Sylviane Fessieux, Pierre Baldi, Christophe Métra et Bernard Defond. Technique vocale : Elle a suivi diverses formations. Entre-autres : la méthode Estill, en ligne avec Emmanuelle Trinquesse et formation avec le phoniatre Jean-Blaise Roch.  

Enseigne depuis 26 ans, le chant jazz, swing, brésilien, la technique vocale liée au jazz, swing, chant brésilien et variété et le rythme avec sa méthode « PAS à PAS ».

Actuellement : maître de stage au Crest Jazz Festival (depuis 12 ans), sollicitée par divers organismes formateurs et conservatoires, et organisatrice de plusieurs stages de chant jazz, brésil, scat, rythme « PAS à PAS » outdoor, sur commandes ou privés.  Cheffe de chœur depuis 2018.

Pédagogie du chant Jazz vocal, Brésil et technique vocale : Adèle a enseigné, enseigne ou est intervenue à : Crest Jazz Festiva, Jazz Action Valence, Voix sur Rhône. Interventions pédagogiques sur le rythme avec la méthode « PAS à PAS » aux conservatoires de : Rive de Giers, St Etienne, Vaulx en Velin, Bourg en Bresse (formation de formateurs), CNSMD (pour danseurs), Villefranche sur Saône, Edy Voice (Paris), dans plusieurs écoles de danse (Scène Formation, Corps Accord, Lyon Swing…), à l’école de théâtre de Lyon et diverses chorales. Stages privés pour tout public. La méthode peut s’enseigner en ligne mais coachée en direct !

A venir.  Mai 2022. Elle est sollicitée par le CEFEDEM (centre de ressources professionnelles et d'enseignement supérieur artistique de la musique) de Lyon pour une formation de formateurs avec le programme : « PAS à PAS ».

Davy Brun Directeur du CND Centre Nationnal de la Danse.  « Je trouve cela très intéressant que vous puissiez proposer des approches différentes et complémentaires lors de cette formation à ce que le CND peut apporter durant la formation au DE. Je ne pourrais qu’inciter les stagiaires au DE à compléter leurs acquis en permanence, donc à vous suivre »

Sur scène : Chanteuse professionnelle de jazz, swing et musiques brésiliennes dans plusieurs formations programmées pour des festivals, concerts privés, soirées évènementielles, bals Swing - Lindy Hop ou bals de Samba de Gafieira. Références scéniques ici : http://www.adelebracco.com/pages/parcours/

Comment en suis-je arrivée là ?

Danseuse de formation, devenue musicienne autodidacte à mes débuts, je me suis souvent heurtée aux termes solfégiques. J’avais du mal à comprendre et faire le lien entre mon ressenti corporel et le langage utilisé par les musiciens, qui peut être parfois différent selon les styles joués : classique ou jazz, musiques latines et actuelles…

De réflexions en réflexions, avec l’aide d’amis musiciens et suite à de nombreuses remises en question, je me suis passionnée et spécialisée dans l’enseignement de la musicalité en développant une méthode qui relie ces deux mondes. Au fil des années, j’ai mis au point une conduite pédagogique très simple et méthodique qui rend la compréhension musicale de tous styles, accessible à tous.

Elle permet également d’identifier quels sont les faiblesses ou les points forts de chacun. Les « problèmes de rythme » peuvent être très variés ! Comment comprendre ce que l’autre entend ou ressent ? Pas si simple ! Parfois, et pour l’avoir vécu, on pense avoir le « rythme » mais certaines précisions sont vraiment indispensables, surtout lorsque l’on enseigne. Comment faire pour mener toute personne à viser et entendre les points essentiels pour une meilleure musicalité ? Comment faire pour que chacun puisse avoir des exercices adaptés à ces besoins ?

J’ai nommé cette méthode : Rythme – Coordination – Musicalité pour tous « PAS à PAS ».

« PAS à PAS » a fait ses preuves. Elle dédiabolise et aide à lever le voile sur de nombreux termes théoriques (pas toujours en phase avec le mouvement corporel) ou doutes. « PAS à PAS » crée des ponts entre danseurs(euses) et musiciens(ènnes) et développe une lecture corporel claire et rassurante pour l’élève. Pour moi tout est devenu limpide et je pense fermement qu’il est très important que le musicien devienne plus danseur et le danseur devienne plus musicien ! C’est ce qui en est ressorti de mes remises en question pour moi-même et ma pédagogie.

Voici une citation d’Alfredo Rodriguez qui raisonne très fort en moi :

 « Parfois, il y a un gouffre entre les tendances intellectuelles de la musique et les envies des danseurs, c’est arrivé dans le jazz et c’est préjudiciable ; dans ma musique, je ne veux pas perdre ce rapport à la piste de danse », résume Alfredo Rodriguez. A Cuba il n’y a pas de différence entre le chanteur, le musicien et le danseur, c’est un tout. Si vous ne connaissez pas ce principe, vous ne savez rien »

Je pense également que tout pédagogue de danse, se doit de sensibiliser davantage les élèves sur les points listés ci-dessous sans crainte, pour la musicalité en général.

Mes motivations, mes constats et mes crédos :

Forte de mes expériences pédagogiques, je suis sûre maintenant, que la musicalité du mouvement rythmique s’apprend. Tout le monde peut comprendre et entendre toutes les musiques. Il suffit de rassurer et transmettre avec les bons outils, simples et accessibles à tous.

Quels que que soient les styles de danse, nommer et identifier les bons flux : pulsatoires et rythmiques, facilite l’apprentissage et aide à installer le « Bon » feeling, le « bon » naturel. Pour cela, il est très important de clarifier ces points parfois opaques et même tabous pour certains. Phénomène dû à trop d’importance donné au, soi-disant : « feeling ». Nous n’avons pas tous la même culture musicale ou corporelle. Oui, la musicalité s’apprend et s’explique vraiment ! Cela donne un cadre sérieux et solide pour l’élève. Le feeling à lui seul ne suffit pas toujours. « PAS à PAS » va droit au but. La méthode évite les discours imprécis et lève les doutes.

Il faut prendre le temps de donner les bonnes bases « PAS -- à -- PAS ». Prendre ce temps, c’est gagner du temps, c’est rassurer et c’est rendre service aux étudiants danseurs et à la musicalité. Passer trop vite sur certains points théoriques, de peur d’ennuyer l’élève, n’est pas un raisonnement sain. (c’est un constat récurent dans les cours ou stages de danse que je pratique en tant qu’élève !)

Créer le lien entre les danseurs et les musiciens n’est pas insurmontable. Les outils simples proposés, par la méthode « PAS à PAS » aident à ce que tous, entendions la même musique pour ensuite utiliser des termes faciles et communs liés aux rythmes, aux mouvements et à la compréhension musicale. Stop aux dialogues de sourds ! Stop à l’infantilisation des élèves ! Stop aux exercices rythmiques parfois trop alambiqués ou enseignés de manière trop rapides ! Les élèves ayants moins de « feeling » entrent dans le stress ! Cela entraine la fameuse réflexion d’abandon : « moi, de toute façon, je n’y comprends rien en rythme ! »

Pour certains passages chorégraphiques ou pour le guidage « danses de couple », il ne faut pas avoir peur de compter et d’identifier les bons flux rythmiques. La connexion n’en sera que plus forte. Dans les danses de couples, l’improvisation guidée, peut alors, devenir accessible à tous. Les leaders donnent l’information au bon moment et les followers perçoivent le bon geste car elles entendent le même flux, la même musique ! De ce fait, la connexion est en phase avec : le guidage et la musique. « PAS à PAS » développe l’autonomie dans le groupe ou un couple, « PAS à PAS » développe la conscience de soit et écoute de l’autre ou du groupe. Compter et identifier clairement les temps et les flux rythmiques reste indispensable et très utile malgré se qu’en pense de nombreux professeurs de danse accros au fameux « feeling » mais lequel ?! 

Autres constats récurrents après discussions : pour de nombreux enseignants de danse, le tempo = rythme ! Ah bon ! Il est vraiment recommandé et indispensable d’éclaircir tout cela !

Objectif(s) de la formation.

  • Consolider sa pulsation intérieure et identifier les bons « 1 » et installer et conscientiser du mouvement entre chaque pulse.
  • Déployer des outils qui parlent à tous : musiciens, chanteurs, danseurs. Pourquoi le danseur compte jusqu’à 8 ? Ça s’explique.
  • Comprendre et identifier les rythmes de manière simple sans solfège. Si besoin ou si demande faire le lien avec l’écriture.
  • Améliorer sa motricité, son interprétation musicale et/ou corporelle. (Les musiciens et chanteurs s’intéressent de près à cette méthode ;))
  • Apprendre à consolider, avec patience et tranquillité, la qualité du mouvement, du transfert du poids corps sur les pulsations, des impacts sur les flux rythmiques (mains-voix). Indispensable pour stabiliser la régularité pulsatoire. 
  • Apprendre, comprendre et entendre toutes les musiques, carrées et non carrées, polyrythmiques ou à mesures composées…
  • Accéder à des outils SIMPLES et FACILES pour rassurer et rendre la transmission accessible à tous.
  • Quelle est l’importance de faire démarrer ou donner un pré-décompte sur la bonne phrase musicale ? càd ne pas confondre les 5 et 7 avec les 1 et 3.
  • Clarifier afin de ne plus confondre ou mal utiliser les termes : Tempo, rythme, contretemps, after bit, binaire, ternaire, flux… de nombreuses confusions subsistent encore ce qui engendrent les fameux « dialogues de sourd » Encore trop d’enseignants nomment les contretemps avec des chiffres ! ou nomment des « é » sur des temps !
  • Comment prendre le temps pédagogique pour rassurer l’élève tout en gardant une exigence pédagogique précise. Lorsque les bonnes bases sont posées tout le monde comprend le même langage. Les buts : entendre la même musique et lever les doutes et rendre service à l’élève.
  • Guider une écoute musicale plus intime et plus active afin ne pas en rester uniquement à la « phrase mélodique » !
  • Expliquer certains termes génériques : c’est quoi avoir le « rythme dans la peau » ? Ca veut dire quoi : « danser en rythme » ?
  • Comment aider ou guider les élèves arythmiques ou en doute avec le rythme ?

Éléments de contenus

  • Méthode Rythmique « PAS à PAS » utilisant les bases de « o passo » enrichies d’exercices pour les besoins pédagogiques du swing et des musiques ternaires en général.
  • Éclaircir et mettre en phase les termes de musiciens avec le ressenti corporel ou inversement.
  • Coordination motrice et ludique. Exécuter des rythmes (pieds-mains-voix) tout en écoutant les autres. A terme : chanter en tapant ou jouant des rythmes. ATTENTION : Ce n’est pas un cours de body-percussions !
  • L’intériorisation et stabilisation de la pulse, des divers flux rythmiques, des espaces entre les temps, des espaces des phrases musicales liées à l’harmonie, ou espaces mélodiques.
  • Rapport à la danse et aux musiciens qui fabriquent notre musique.
  • Respect et l’importance des carrures de mesures à 4 temps mais également avec des mesures composées (5/4, 6/8, 7/8…) Faire le lien par l’écoute musicale.
  • Développement de l’autonomie dans un groupe ou couple. Tout le monde doit être acteur même les followers !
  • Écoute musicale de nombreux styles de musiques, sélectionnées avec soin, pour une perception et compréhension plus intime et plus juste de la musique, ce après avoir poser les bases « PAS à PAS ». Quel tempo, quel flux rythmique, binaire ? ternaire ? Prenons le temps !  Témoignages de certains stagiaires venus découvrir la méthode : Le prof : « mais…écoute la musique ! » L élève : Oui oui… mais quoi au fait ?
  • L’importance de savoir entendre et comprendre les cadences harmoniques simples et accessibles à tous. Ce sont ces enchainements harmoniques qui guident notre fameux « feeling ».
  • L’importance capitale de repérer et d’accentuer les 2 et 4 dans les mesures à 4 temps. Accentuer les 1 et 3 ne fera qu’alourdir le balancement musical, le groove, le swing… Aïe pour le swing corporel ! C’est ce que redoutent les musiciens lors des concerts live. Il faut vraiment en prendre conscience et ce, dès le plus jeune âge mais comment ? Et bien oui ! ça s’explique et se pratique ! par le ressenti corporel et par l’écoute harmonique.  Plus on en parlera plus on sera bons !
  • Rester en conscience de tout ce que l’on fait pour installer LE bon feeling, le bon naturel.
  • Cognition et cohésion des 4 points inséparables : 1) - Le feeling (ressenti/motricité), 2) l’écoute connectée et active, 3) - la technique (simple et organisée), 4) - la conscience.

Apports et conseils.

Pour une efficacité optimum, prévoir une formation d’au moins 18 heures (pour professionnels ou semi-pro) Soit 3 x 6 heures sur 3 jours (1 jours par semaine par exemple), soit en stage d’immersion sur 3 jours consécutifs.

Pour une découverte moins approfondie, prévoir 12h minimum.

Pour un groupe de pro ou semi pro, jauge maximum pour une attention pédagogique correcte 15 à 18 personnes.

Pour un groupe d’élèves la jauge maximum devra descendre à 10.

Possibilité d’intervenir de manière régulière sur une année. Dans mon idéal, des cours de musicalités devraient avoir une vraie place dans toutes écoles de danse. C’est la base de toutes les danses.

Précision de bon sens : Une formation découverte trop courte de 4 ou 6 h n’aura aucun impact durable. Elle donne l’impression d’avoir compris sans expérimenter vraiment par le corps, la pensée consciente et l’ouïe. Il ne suffit pas de le dire. Il faut prendre le temps d’encrer les bons reflexes et les bonnes bases ! Il faut se donner les moyens de prendre le temps « PAS  ---   à  ---  PAS » !

Témoignages :

Annabelle Blanc -  Musicienne et professeure de danses de la renaissance et baroques au CNSMD « Malgré une très bonne base rythmique que l’on acquiert dans une formation de musique classique, je trouve que PAS A PAS apporte la dimension de la pulsation comme répétition en mouvement et non pas comme des sons successifs de métronome entre lesquels il ne se passe rien, cela enlève le côté figé et rend la pulsation vivante, autrement dit : identifier et ressentir les divers flux rythmiques. Cela change tout, et permet de considérer l’unité espace-temps qui apporte une qualité d’exécution musicale différente. »

Céline Jourdan  - Professeure de modern’jazz. Diplômée d’Etat  « Super formation avec Adèle Bracco, formation très complète et efficace quand on est professeur de danse jazz. Adèle est une excellente pédagogue, elle sait nous guider, s'adapter à nos demandes et nos besoins. Cette formation m'a permis de développer mon oreille musicale d'une autre façon, mais elle m'a également permis d'enrichir la qualité et l'exigence de mon enseignement envers mes élèves. Adèle nous apprend à reconnaitre la pulsation de référence puis à savoir identifier ce qu’est vraiment une musique à flux binaire au ternaire sans problème, les reconnaitre et à bien les différencier, grâce à l'écoute de différentes musiques et l'apprentissage de feuilles de travail combinés sur la musique. Nous avons également appris à identifier des rythmes et à les frapper, puis à les décrypter, compter la carrure de différentes musiques. Nous avons aussi pu échanger sur certains morceaux à mesures composées qui nous posaient problème, lors de la création d'une chorégraphie. Du travail personnel à fournir, mais très efficace et ma progression fut assez rapide quelle magnifique récompense... »

Delphine Baron - Professeure de modern’jazz à Lyon. Diplômée d’Etat   « J'ai commencé le modern'jazz avec Adèle à l'âge de 8 ans, premier professeur à m'avoir donné le goût du rythme.  Je suis maintenant professeur de danse jazz (Diplômée d'Etat), j'ai retrouvé Adèle par hasard lors d'une conférence qu'elle donnait sur la musicalité. 
Cela m'a donné envie d'aller plus loin pour réviser, me perfectionner et approfondir ma formation. J'ai donc suivi sa méthode "Pas à pas".   Adèle est très pédagogue, elle sait s'adapter aux élèves, son approche, sa méthode est très intéressante, enrichissante et précise. J’ai vraiment compris ce qu’est une musique binaire ou ternaire. Des termes souvent mal utilisés qui me mettaient dans le flou musical !  Un plaisir de partager et d'apprendre à ses côtés »

Témoignages de stagiaires danseurs et musiciens amateurs

"Ayant mis depuis peu un pied dans l'univers musical (danse, chant), j'étais à la recherche d'une solution pour m'aider à mieux comprendre et ressentir le rythme. Je voyais bien que je ne percevais pas certains éléments, pourtant essentiels aux yeux (et à l'oreille !) d'amis plus expérimentés... et que cela freinait ma progression et faisait nettement obstacle à mes perspectives d'improvisation. Grâce à ce week-end de stage avec Adèle, j'ai pu discerner nettement ce qui était à travailler, distinguer clairement la différence entre rythme, tempo, binaire et ternaire, et repartir avec des outils pour progresser efficacement... Tout cela, dans une ambiance très agréable et chaleureuse. Adèle est une excellente pédagogue, qui sait mettre à l'aise et en confiance tout en ayant l'exigence nécessaire pour que les progrès viennent ! Je me réjouis d'avoir enfin trouvé un outil efficace, et j'espère avoir l'occasion de participer à d'autres stages pour continuer à affiner de plus en plus ma perception et ma maîtrise du rythme. Je recommande. Merci Adèle !"

« Il est sûr que ton coaching m’a énormément aidé... Je pense souvent à ton enseignement en jouant depuis... je dirai que ce coaching a été une vraie mise en ordre de toutes les notions rythmiques dans ma tête... et dans mon corps ! J’ai réellement appris à écouter ... et à compter ! Depuis tout est plus clair et même si j’ai encore des difficultés parfois je sais comment m’y retrouver... en marchant !!  Une bonne occasion de te dire merci donc et bravo pour ce travail... j’ai fait passer tes annonces de stage plusieurs fois à mes contacts élèves musiciens et danseurs ... Bonne suite à toi ! Muriel » 

Avec sa méthode Pas à Pas, Adèle offre à ses stagiaires un outil puissant pour comprendre les fondements rythmiques de tout morceau et naviguer sereinement dans tous les styles de jazz. Son approche par le corps est accessible à tous et permet un ancrage durable. Je recommande vivement son stage à Crest (semaine d'initiation collective au travers d'exercices ludiques et variés) à tous ceux qui souhaitent consolider leurs connaissances fondamentales et être un peu plus conscients et libres dans leur interprétation.